09. 3月 2016 · (272) ヒナステラの《エスタンシア》?? はコメントを受け付けていません。 · Categories: 聖フィル♥コラム · Tags: ,

聖フィル第14回定期演奏会まで1ヶ月。今回のプログラムには「ヒナステラの《エスタンシア》」という謎の曲が含まれます。もちろん、ヒナステラが作曲家名、エスタンシアが作品名ですが、馴染みが無い方が多いと思います。まずはじめに、ヒナステラ(以下ヒナステーラ)がどんな人か、調べてみました。

1916年生まれ、今年が生誕100年のアルゼンチンの作曲家です。アルゼンチンは、南米大陸の南側。細長いチリの東に位置します。アルゼンチンの音楽といえば、バンドネオンが活躍するアルゼンチン・タンゴ。《ラ・クンパルシータ》などが有名ですが、彼はクラシック音楽の作曲家。

アルベルト・ヒナステーラは、カタルーニャ系の父とイタリア系の母の間にブエノス・アイレスで生まれました。12歳でウィリアムス音楽院に入り、1935年に作曲で金メダルを得て卒業。36〜38年は国立音楽院で学び、41年から同院などで教えます。45年、グッゲンハイム奨学金で家族とともに渡米し、コープランドに教えを受けました。帰国後の48年、現代作曲家協会を設立。71年以降はジュネーヴに定住。

1937年、バレエ音楽《パナンビ(蝶)》の管弦楽組曲が、フアン・ホセ・カストロの指揮でテアトロ・コロンで初演されるという幸運に恵まれます。ヒナステーラは当時まだ学生でしたが、活気のあるリズムや華やかなオーケストレーションのこの作品で名声を確立。これが作品1に。

彼は、アルゼンチンの民俗音楽を用いて芸術音楽を作りました。スメタナやロシア5人組のような「国民楽派」の20世紀版。あるいは、ハンガリー民謡を採集・分析して自作に活かしたバルトークの、アルゼンチン版ですね。特に「客観的民族主義」の時期と分類される初期(1934〜47)の作品には、アルゼンチンの民俗素材がそのまま使われています。

しかし、「主観的民族主義」の時期(1947〜57)以降は民族主義的な要素は優勢ではなくなります。「新表現主義」の時期(1958〜83)には、12音技法((97) ドレミが平等社会だったら参照)や微分音、複調を用いた作品も。晩年はこのような現代語法が弱まり、調性や民俗素材を用いた初期のスタイルも再び使われました1

3つのオペラ、協奏曲(ピアノ2、チェロ2、ハープなど)、3つの弦楽四重奏曲を含む室内楽曲、声楽作品などを作曲。最後の作品54は、ピアノ・ソナタ第3番(1982)。1942年と44年に試みた2つの交響曲は、いずれも破棄しています。10作以上の映画音楽の多くは、辞職を強要されたフアン・ペロン政権時代(1946〜55)に、収入を得る手段として作られました(コープランドの影響で、ヒナステーラは映画音楽を、意思伝達の重要な媒体と捉えていました)。1983年、ジュネーヴで67歳で没。

来週は都合によりお休みさせていただきます。《エスタンシア》については再来週。

  1. 作曲家本人が自作品を3つに分けたのは1960年代後半。このため、第3期が25年以上と長くなりました。ヒナステーラ研究者の Schwartz-Kates は「最後の統合」(1978〜83)という第4の時期の追加を提唱しています。Schwartz-Kates, Deborah, ‘Ginastera, Alberto,’ New Grove Dictionary of Music, 2nd ed., vol. 9. Macmillan, 2001, p. 876.  第1期の最後と第2期の最初が同じ1947年なのは、この資料によります。「objective nationalism」と「subjective nationalism」をそれぞれ「客観的愛国心」「主観的愛国心」と訳したものがありましたが、この場合の nationalism は民族主義(あるいは国民主義)と訳すべきでしょう。
05. 9月 2012 · (97) ドレミが平等社会だったら:十二音技法 はコメントを受け付けていません。 · Categories: 聖フィル♥コラム · Tags: , ,

17世紀から19世紀まで西洋音楽の基本だった長調・短調の体系は、競争社会です。オクターヴ内の12人が就職活動をしても、ハ長調会社に就職できるのは白い鍵盤の7人だけ。ト長調会社の場合は、白い鍵盤ファの人が不採用で、代わりにファ♯の人が採用されます。失業率42%! 就職できた7人の中で社長、部長、次長になる人もいますが、社長秘書を含め4人はヒラ社員((79) ドレミは階級社会?参照)。厳しい!

この競争 & 階級制度を壊そうと (?!) 19世紀末から各種の改革 (?) が提案されます。就活中の12人全員を採用し、役職を置かない完全に平等なシステムも考えられました。オクターヴ内の12個の音を1回ずつ使って「音列」を作り、その順番で音を使います。たとえばドならどの高さのドでもオーケー。同じ音なら何回繰り返してもオーケー。音の長さは自由(だからリズムも自由)。ただ、決められた音の順番は変えられません。

音の並べ方は12×11×10……=479,001,600通り。順番に3つずつ4個の和音、あるいは4つずつ3個の和音にしたり、音列を途中で分けて、2声部で対位法的に使ってもオーケー。さらに、基本音列から派生した音列を組み込むことも考えられます。たとえば、基本音列の12の音を後ろから順番に使う逆行形。また、音列のそれぞれの音の間隔を保ったまま最初の音の高さを変えると、全部で11種類の移高形(または移置形)ができます。

1920年前後にこのような全く新しい体系を考えたのは、ハウアーとシェーンベルク。十二音技法(twelve-tone technique)と呼ばれます。シェーンベルクの体系のほうが作曲家に残された自由度が高く、主流になりました。譜例1は、彼のピアノ曲 op. 25 no. 1 の基本音列と、その全ての音を6半音ずつ高く移した移高形。譜例2は、その2つの音列の使われ方1。複雑ですね。この曲の分析を宿題にされたら、泣いちゃいそう。

譜例1:シェーンベルク Suite op. 25, no. 1(プレリュード)基本音列と7番目の移高形

譜例2:シェーンベルク Suite op. 25, no. 1(プレリュード)1〜3小節(上)と16〜17小節(下)

私たちは調性音楽にあまりにも慣れ親しんでいるため、導音→主音(シ→ド)とかドミナント→トニカのような特定の重要な音に「解決」する関係を、無意識に探してしまいがち((80) 音楽における解決参照)。階級社会の要素を排除した「音列」という全く新しい秩序にもとづく夢の平等社会、シェーンベルクの十二音技法は、第2次大戦後、さらに発展していくことになります。

  1. 譜例はいずれも上野大輔「十ニ音技法」『音楽通論』久保田慶一編、アルテス、2009、129〜130より。 © 1925, Universal Edition A. G., Wien / UE 7627.