聖光学院管弦楽団

コンチェルト（協奏曲）といえば、「独奏楽器（または独奏楽器群）とオーケストラとが協調しつつ優位を競い合うもの」¹。器楽合奏の一形態に決まっています。この用語が声楽曲を指していたなんて、有り得ない!! 信じられない!! と思うのは当然。でも、本当なんですよ。というわけで、お久しぶりの「アマ・オケ奏者のための音楽史」シリーズです。

図1：A. & G. ガブリエーリ『コンチェルト集』（ヴェネツィア、1587）テノール・パートのタイトル・ページ（ボローニャ国際音楽図書館蔵）

コンチェルトという語が初めて出版譜に使われたのは、1587年。アンドレアとジョヴァンニ両ガブリエーリの『コンチェルト集 Concerti di Andrea, et di Gio. Gabrieli』（図1参照）です。前年に亡くなったヴェネツィアのサン・マルコ大聖堂オルガニスト、アンドレア・ガブリエーリの作品を、甥のジョヴァンニ（《ピアノとフォルテのソナタ》の作曲者。(190) コルネットとトロンボーンとヴァイオリンの八重奏参照）が校訂し、自作も含めて出版したもの。

このコンチェルト集に収められたのは、6声から16声の宗教歌曲とマドリガーレ（イタリア語の歌詞を持つ世俗曲）。歌曲集が、コンチェルト集と名付けられているのです。全声部に歌詞が印刷されていますが、序文中にほのめかされているように、楽器も使われたはずです（16声部の曲を、声だけで演奏するのは大変ですから）。

コンチェルトという用語が、このような編成の大きな声楽曲に使われたとは限りません。ロドヴィコ・ヴィアダーナの『100の教会コンチェルト集 Cento concerti ecclesiatici』（1602）は、1〜4人の歌い手とオルガン伴奏のための宗教曲集。17世紀前半においては、規模には関わりなく、楽器を伴う声楽曲がコンチェルトとみなされていたようです。

コンチェルトのタイトルは宗教歌曲集に使われることが多いのですが、世俗歌曲集の例も。モンテヴェルディのマドリガーレ集第7巻（通奏低音付き）は、その名も『コンチェルト Concerto. Settimo libro di madrigali』（1619）。ドイツでも、シュッツの『小教会コンツェルト Kleine geistliche Konzerte 』（第1集：1636、第2集：1639）のように、声と楽器のコンチェルトが作られました。

ルネサンス時代（(27) 音楽史の時代区分参照）、声楽といえば無伴奏。楽器が加わったり、通奏低音（(132) 楽譜どおりに演奏しても足りない場合参照）によって支えられるようになったバロック時代の新しい声楽に、新しい呼び名が必要だったのですね。コンチェルトの語は、アンサンブルやオーケストラなどの意味も含みながら、歌や楽器の様々な演奏媒体のための作品に使われました²。この用語が私たちが知っているような意味を一貫して指すようになったのは、18世紀の初め以降のことです³。

Follow

史上初の公開コンサートが行われたのは1672年でした（(269) 庶民はいつからコンサートを聴けるようになったか参照）が、オペラは？　王侯貴族の娯楽として始まったオペラ。いつごろから庶民も楽しめるようになったのでしょうか。コンサートより早い？遅い？　どちらだと思いますか？

答えは、バッハが生まれる前に始まったコンサートよりもさらに「早い」。ヴェネツィアに最初の公開オペラ劇場「サン・カッシアーノ」が作られたのは、なんと1637年！（西洋音楽史の重要年号の1つ）。実質的な最初のオペラであるモンテヴェルディの《オルフェオ》がマントヴァで初演されたのは、1607年でした（(143) オーケストラの起源参照）。そのわずか30年後に、庶民にも解放されたなんて！

フィレンツェのアカデミー「カメラータ」の人々が、古代ギリシア劇を復興しようとして誕生させたオペラ（(28) バロック時代はなぜ1750年までか？参照）。《オルフェオ》以来、富と権力を示したい王侯貴族たちに保護され、イタリア諸都市のみならずヨーロッパの他の国々にも広がりました。贅沢でプライヴェートな「セレブの愉しみ」だったオペラが、これほど早い時期に庶民に公開されたのはなぜでしょう？

ヴェネツィアは、地中海貿易で富を蓄えた商人たちの国。彼らは財力で王侯貴族の楽しみを手に入れただけではなく、それを使ってさらにお金を得ようと考えました。商業的なオペラ劇場の運営です。庶民は平土間で立見。座って楽しむならまわりをとり巻くボックス席ですが、入場料以外に権利金を払わなければなりませんでした。この権利金だけで、劇場の建設費を賄うことができたのです。サン・カッシアーノ劇場に続いて、17世紀末までにヴェネツィアには、10以上のオペラ劇場が建設されました。

ボックス席の奥には暖炉付きの控えの間があり、そこは食事やゲームだけではなく「政治上の話し合いや商取引が成り立つ大切な場所」。裕福な市民は複数の歌劇場にボックス席を持ち、「その権利を資産として子孫に伝え」ました。こうして、ヴェネツィアでは人口15,000人にひとつのオペラ劇場がゆきわたるほどになったのです¹。庶民も楽しめる公開オペラ劇場の繁栄によって、オペラはその形を変えていくことになりますが、それについてはまた改めて。

来週から2月いっぱい、聖フィル♥コラムをお休みします。(249) 今と同じ?! 16世紀の楽譜で書いたヴァティカン図書館を初め、ローマのサンタ・チェチリア音楽院図書館、パリ国立図書館などに、16世紀の楽譜資料の調査に行くためです。みなさま、3週連続更新無しでも、聖フィル♥コラムを忘れないでくださいね。

Follow

(143) オーケストラの起源で取り上げたモンテヴェルディの《オルフェオ》（1607）は、ギリシア神話のオルフェウスの物語。オルフェウスは、鳥や魚も耳を傾けるほどのたぐいまれな歌い手＋竪琴の名手。紀元前3世紀の『アルゴナウティカ』には、オルフェウスの歌と竪琴が、航海する人を美しい声で惑わす海の怪物シレーヌ（セイレーン。上半身は人間の女性の姿）や他の危機から、仲間の乗組員たちを救ったと書かれています。

蛇にかまれて死んだエウリディーチェを、黄泉の国から取り戻すチャンスを与えられるエピソードは、モンテヴェルディ以外にもオペラの題材として取り上げられています。楽譜が現存する最古のオペラ《エウリディーチェ》（カメラータのメンバーであるペーリとカッチーニによる共作、1600年、フィレンツェ）も、このストーリー。オペラ成立期に限りません。グルックの《オルフェオとエウリディーチェ》や、オッフェンバックの《地獄のオルフェ（天国と地獄）》が有名ですが、実は主要なものだけでもこんなにあるのです！¹

17世紀：ペーリ（1600）、カッチーニ（1602）²、モンテヴェルディ（1607）、ベッリ（1616）、ランディ（1619）、ロッシ（1647）、レーヴェ（1659）、サルトーリオ（1672）、ロック（1673）、クリーガー（1683）、ドラーギ（1683）、シャルパンティエ（c1685）、サバディーニ（1689）、リュリ（1690）、カイザー（1698）、カンプラ（1699）

18世紀：ウェルドン（c1701）、フックス（1715）、テレマン（1726）、ランプ（1740）、ラモー（c1740）、リストーリ（1749）、ヴァーゲンザイル（1750）、グラウン（1752）、グルック（1762、パリ版は1774）、バーテレモン（1767）、トッツィ（1773）、ベルトーニ（1776）、アスペルマイアー（1780、メロドラマ、消失）、ベンダ（1785）、ナウマン（1786）、ディッタースドルフ（1788）、ライヒャルト（1788、ベルトーニの改作）、トレント（1789）、ハイドン（1791）、パエール（1791）、ヴィンター（1792）、デエー（1793、グルックのパロディー）、ドーヴルニュ（1797前）

19世紀：カンナビヒ（1802）、カンネ（1807）、カウアー（1813）、オッフェンバック（1838）、ゴダール（1887）

20世紀：シルヴァ（1907）、ドビュッシー（1907−16、オルフェウス王）、ロジェ=デュカス（1913）、マリピエロ（1923）、ミヨー（1923）、クルシェネク（1926）、カゼッラ（1932）、バードウィッスル（1986）

えーっ、こんな人も!? というような作曲家（テレマンとかラモーとかハイドンとか）もいますが、名前しか知らない人や、名前も知らなくてカタカナでどう書くのか困った人も³。

古代ギリシア・ローマ文化の再生を目指したルネサンス時代に限らず、目に見えない音楽が持つ大きな力の具体化とも言うべきオルフェウスのエピソードが、総合芸術であるオペラの題材として何度も選ばれたのは、当然ですね。オペラ以外でもオルフェウスを題材に、ガレンベルク（1831）やストラヴィンスキー（1948）がバレエ、リストが交響詩（1834、グルックのオペラの前奏曲として。後に2台ピアノ用と連弾用に編曲。さらに同オペラの後奏曲も）、ベルリオーズ（1827）やティペット（1982）が声楽曲を書いています。

図1：トラキア人の中のオルフェウス。クラテール、紀元前440年、ジェーラで出土

Follow

管・弦・打楽器が一定の秩序に基づいて一緒に音楽を奏でるオーケストラ。用語は古代ギリシア劇の「円形舞踏場オルケストラ」に由来します（(29) オーケストラは「踊り場」だった参照）が、オーケストラ音楽の出発点は？

全てはここから始まった！と言えるような、唯一無二の起点というわけではありませんが、モンテヴェルディの《オルフェオ》が出発点の1つであることは間違いありません。1607年（バロック時代の初め）に北イタリアのマントヴァで初演された、最初期のオペラの傑作で、オペラの（実質的な）出発点。その伴奏アンサンブルがオーケストラの出発点と考えられる理由は、以下の3点。

第1は楽器編成。図1は、1609年に出版された《オルフェオ》スコアの楽器リストとそれを3つに分類したもの。ずいぶんいろいろな楽器が必要です¹。キタローネ（ネックがすごく長い大型リュート）など、現在使われていない楽器の名も。

図1：モンテヴェルディ《オルフェオ》の楽器リスト（クリックで拡大します）

オペラの歌唱を伴奏する通奏低音楽器（(132) 楽譜どおりに演奏しても足りない場合参照）もさまざま。伴奏楽器を変えて、登場人物を描き分けているからです。たとえば、竪琴の名手オルフェオにはハープや柔らかい音のする木管オルガンを用いる一方、冥府の番人カロンテには耳障りな音がするレガール（金属リードのオルガン）が使われます。弦楽器の数や管楽器の種類も多いですね。トロンボーン（(44) 神の楽器？　トロンボーン(2)参照）やコルネット（現在のコルネットとは異なる、円錐形の木管楽器）は冥界、リコーダーは地上の場面と、管楽器も描き分けに加わります。

しかも、楽器や数が楽譜に指定されています。これが2つ目の理由。当時の器楽は主に即興（踊りの伴奏など）か、声楽の代わりや支えとして使われていました。どんな楽器を使うか、どのパートを担当するかは、奏者に任されていたのです。《オルフェオ》は、ジョヴァンニ・ガブリエーリの《弱と強のソナタ》などとともに、楽器が指定された最初期の例です。

そして第3の理由は、オペラにおいて器楽曲が重要な役割を果たしていること。たとえば、幕が上がる前に奏される《トッカータ》。五声部の最上声にクラリーノ（高音域のトランペット）が指定された華やかなファンファーレ風の曲は、マントヴァ侯爵らが入場し、席に着く間に奏される音楽です²。でも、現実と異なる時間の始まりを告げるオペラの序曲と捉えても、違和感はありません。楽器名は書かれていません（し、上記の楽器リストにも含まれていません）が、ティンパニのような打楽器が一緒に奏されたことは間違いないでしょう。《トッカータ》に続いて音楽の神が歌うプロローグの、間奏として何度も繰り返される《リトルネッロ》は、第2幕や第5幕でも奏されます。冒頭の音楽が戻って来ることで共通の雰囲気を醸し出し、まとまり感を与えています。

前回（(141) やかましかった！参照）のオペラ指揮の話を読んで、オペラとオーケストラは大きく異なるジャンルなのにと思われた方もおられたでしょう。しかし、オーケストラの起源（の1つ）はオペラの器楽伴奏アンサンブルですし、交響曲の直接の先祖（の1つ）はシンフォニーア（イタリア風序曲）と呼ばれるオペラ序曲（(18) 赤ちゃん交響曲誕生まで参照）。オーケストラはオペラに多くを負っているのです。

Follow

均質で柔らかな音色を持ち、すべての音高を出すことができるため、ルネサンス時代に聖歌隊の支えや教会での奏楽に使われたトロンボーン((42) part 1参照)。今回は「トロンボーンは神聖な楽器なので、17、18世紀にはオペラで使用できなかった」が、◯か×か考えます。

トロンボーンは、オラトリオには使用されます。オラトリオはオペラと同様「独唱・合唱＋オーケストラ」で構成されますが、題材が宗教的・道徳的だからです（(7) クリスマスに聴きたい音楽 part 1参照）。旧約聖書を題材にした、ヘンデルの《エジプトのイスラエル人》やハイドンの《天地創造》などがその例です（《メサイア》には使われませんが）。

一方オペラは、愛や嫉妬、裏切りなどが描かれる上、政争や豪奢とも結び付きやすい究極の世俗音楽ジャンル。神聖なトロンボーンを使うなんてもってのほか！のはずですが……。「《魔笛》にトロンボーンが使われているよ」というあなたは鋭い！　そのとおりです。

オペラでトロンボーンを使うことが許された理由は、2つあると思います。1つは、複数のトロンボーンが作り出す深く厚い響きによって、この楽器が、死や地下の（＝死者の）世界と結びつけられていたこと。もう1つは、トロンボーンをまさにその（＝死や闇の世界の）象徴として使ったオペラが、ごく早い時期に作られ、前例になったことです。

1607年に初演されたモンテヴェルディ作曲のオペラ《オルフェオ》では、トロンボーンがレガール（金属リードにより、少し耳障りな音を出す小型オルガン。リーガルとも）などとともに、地下の世界を表す楽器として使われます¹。そして、妻エウリディーチェを生き返らせてくれるように懇願する主人公を伴奏する、ハープ（ギリシア神話のオルフェウスは、竪琴の名手です）や木管オルガンの音色と、大きなコントラストを作り出します²。

17世紀の末以降、トロンボーンは多くの国で使われなくなってしまいました。しかし、オーストリアとドイツでは、教会と劇場用の楽器として生き残ります³。モーツァルトもこの伝統を受け継ぎ、宗教曲（中でも、レクイエム《トゥーバ・ミルム》のソロが有名）とオペラだけにトロンボーンを使いました。もちろん、宗教的な、あるいは超自然的な力が登場するシーンや、地下や闇の世界に限定して。

オペラ《ドン・ジョヴァンニ》では、動かないはずの石像が晩餐に登場し、悔い改めようとしないドン・ジョヴァンニ（イタリア語でドン・ファンのこと）が地獄に堕ちるまでの部分に、3本のトロンボーンが使われます⁴。しかも、3人の掛け合いの中、石像が歌う小節だけという念の入れよう（後半は、石像が沈黙した後もずっと使われますが）。《魔笛》での使用箇所が多いのは、夜の女王やザラストロ、僧侶たちといった、超自然的、あるいは神聖な登場人物が多いからでは？　興味深いのは《魔笛》序曲でのトロンボーン使用。モーツァルトも序曲を、オペラの筋を予示するというほどではないものの((41) 涼しくなる (?!) 音楽参照）、全体を概観するものと考えたということでしょうか⁵。

というわけで、今回の結論も×。むしろ、「トロンボーンは神聖な楽器なので、17、18世紀にもオペラに用いられた」と言うべきかもしれません。

Follow